私が初めて赤門塾演劇祭を見に行ったのは2018年3月の第44回演劇祭だった。以降、コロナ禍のため内輪だけの公演となった2020年の『どん底』を除き、毎回見に行っている。地域の小中学生を対象とした個人経営の学習塾が、半世紀以上にわたって毎年演劇祭を続けているという例は、おそらくここ以外にない。この演劇祭の出演者は現役塾生のみならず、かつての塾生など赤門塾に何らかのかたちで関わりのあった大人たちも含まれている。普段は塾の教室として使われている部屋が、演劇祭の三日間だけ、舞台・客席・照明・音響を備えた小劇場に変わる。塾生の子どもたち、大人の部の出演者、スタッフはすべてアマチュアで、演劇人となるのはこの三日間だけだ。会場設備も舞台装置も俳優の演技も手作り感に満ちているが、私は最初に見に行ったとき、その手作り感の奥にある本気度と熱気に圧倒され、魅了された。赤門塾演劇祭については、2022年に森話社から出版された日比野啓編『「地域市民演劇」の現在─芸術と社会の新しい結びつき』の第5章「赤門塾演劇祭─学習塾を母胎とする演劇創造」として論考を発表している。
毎年、演劇祭は大きく三部構成で、小学生塾生を中心とした部、中学生塾生を中心とした部、OBOGなど高校生以上の大人たちを中心とした部からなる。今年は小学生の部が瀬田隆三作『山火事のとき』（小三・小四・小五・小六）、中学生の部が山本太郎作『八十八ばなし』（小五・中一・中二・中三）、大人の部がニール・サイモン作『思い出のブライトン・ビーチ』（小学生・高校生・社会人）だった。
私が見に行ったのは3月29日（土）の最終日だった。開演は午後1時で、終演予定は午後4時30分となっていたが、実際には午後5時過ぎになった。演目によって観客数の増減はあったが、おおむね50名ほどの観客がいたと思う。観客席は二層構造で、後方には鉄パイプで二階席が組まれており、音響と照明の操作卓もそこに置かれている。二階席の下は3段ほどの階段席で、50歳以上限定となっている。前方は床面の座席で、薄いマット状のものが敷いてあった。観客スペースは狭く、しかも長時間の観劇となるため、赤門塾の観劇環境はかなり苛酷な部類に入る。
私が会場に到着したのは12時半ごろ。まだ観客はあまり集まっておらず、小学生の出演者たちが開演直前の興奮のなか、カーテンで仕切られた舞台の中で大騒ぎしていた。観客席に飛び出してくる子もいた。
床面より段に座ったほうが楽かと思い、二階席を支える鉄パイプのすぐ横の階段席最前列に最初は座っていたが、混雑してくると階段席がデブの私には窮屈になってきた。それで床席の前から二列目に移動し、あぐらを組んで座った。客席には出番のない出演者や出演者家族のほか、長谷川宏読書会のメンバーも来ていた。思いがけず、お芝居デリバリーまりまり主宰の萩原ほたかも来ていた。後で聞くと、知り合いが今回の照明を担当しており、そこから開催情報を得たとのことだった。ほたかの本拠地は東村山市で赤門塾から遠くないこともあり、私のこれまでのSNS投稿で演劇祭のことは知っていて興味を持っていたとのことだった。
舞台は間口が5メートルほどで、赤い緞帳で客席と仕切られている。天井には普段は蛍光灯が吊してあるが、演劇祭の期間中は取り外され、舞台用のライトが設置される。手作りの簡易舞台ではあるが、きちんと劇場仕様になっているのだ。
午後1時過ぎ、まず瀬田隆三作『山火事のとき』（小三・小四・小五・小六）が上演された。上演時間は15分ほどの短い芝居で、キャストは小学3年生から6年生まで11名。うさぎ、さる、おおかみ、きつね、たぬき、りす、しかといった擬人化された動物が登場する動物民話劇だ。演者たちは動物の絵が描かれた紙の頭飾りを装着している。最も力の強いオオカミと、それに追従する狡猾なキツネが、他の動物たちの採集した木の実を強奪するという権力の横暴を描いた寓意劇だ。
子どもたちの台詞回しは、おおむね早口で一本調子になりがちだ。大勢の前で他者の言葉を自分の言葉として伝えるのは難しい。友達同士のごっこ遊びとは違い、見られることを意識した上で役になりきり、演じるというのはかなりの特殊能力が必要とされるのだ。しかし棒読みの固い演技が多いなかで役作りに工夫のある演者がいると、その対比が面白みを生み出すこともある。これはプロの演劇にはない面白さだろう。『山火事のとき』では悪役のキツネ役の子が、表情と声色に工夫を凝らして劇の中核として機能していた。力に物を言わせる乱暴者でありながら堂々たるボスぶりを演じたオオカミの子も上手かった。
動物寓話劇では最後は勧善懲悪で教訓が示されるのが常だが、この作品では、山火事で自分だけ助かろうと他の動物たちを見捨てて池のほうへ走り去ったキツネに、「おーい、キツネさん、おーい、キツネさん！」と他の動物たちが呼びかけるところで、ぷっつりと幕が下りる。キツネの安否は示されない。キツネが退場したまま戻ってこない、教訓が明示されないまま宙ぶらりんで終わるという結末が意外で面白かった。
終演後は舞台挨拶があり、演出の長谷川優さんが出演した子どもたちと音響・照明のスタッフをひとりひとり紹介する。名前と役柄だけでなく、稽古中や本番の様子についても具体的に語るその姿勢に、教育者としての眼差しを感じる。出演者のことをこんなによく見ているものだと感心するし、それを嘘なく言語化して褒めるというのも相当な仕事だ。
15分ほどの休憩をはさんで舞台装置が入れ替えられた。例年、小学生の部のあとは中学生の部、最後に大人の部となるのだが、今年の二番目の上演はニール・サイモン作『思い出のブライトン・ビーチ』（小学生・高校生・社会人）だった。大人の部の劇はいつもフルサイズの公演となる。『思い出のブライトン・ビーチ』は途中休憩を挟んで2時間を超えた。
赤門塾演劇祭の現役塾生の子供たちの上演の部では再演作品が多いが、大人の部の演目は、私が通うようになってから同じ作品が上演されたことがない。唐十郎作品は2018年の『愛の乞食』と2024年の『ジャガーの眼』の二作が取り上げられており、出演者も多く、赤門塾演劇の独自のアングラ演劇として場に馴染んでいるが、それ以外はキャストの人数や作品の雰囲気が異なるものを毎年あえて選んでいる印象がある。演出の長谷川優さんに以前、作品選定の基準を聞いたとき、「その年その年で出てくれそうな人が頭に思い浮かんで、それからどんな作品にしようかと考える」というようなことを言っていた。同じ傾向の作品ばかりを続けることは、少なくとも大人の部については意識して避けているのは間違いないだろう。
『思い出のブライトン・ビーチ』のキャストは7名で、赤門塾演劇祭の上演作品としては少ないほうだ。ニール・サイモンの戯曲は映画化もされ、商業演劇でもしばしば上演されるが、私の観劇の嗜好からは外れていて、今回が初見で、戯曲も読んだことがなかった。
舞台は1937年、第二次世界大戦開始直前のニューヨークの下町に暮らすユダヤ人一家の家族群像劇だ。狂言回しとして状況を外側から語るのは、十代半ばの少年ユジーンである。野球選手を夢見、作家志望でもある彼の視点を通して、家族の姿が立ち現れる。生活は裕福とはいえない。母のケートはいつもせわしなく立ち働くがいつもイライラしている。父のジャックはものわかりのいい理性的な男だが、失業した上に病気で倒れ自宅療養となる。兄のスタンリーは会社でいざこざを起こして首になりかけたり、ポーカーで給料をすったりしている。さらにこの家には、未亡人となったケートの妹ブランチと、その娘ノーラとロリーも居候している。ブランチは体が弱く働けず、娘のロリーも病弱で外出もままならない。美しいノーラはブロードウェイで女優になることを夢見ており、ユジーンは従姉妹のノーラに恋心を抱いている。
どの役柄も個性が際立ち、台詞が多い。貧しさのなか、ヨーロッパの戦争の影を感じながら助け合って生きる家族だが、同じ屋根の下に大人数が暮らせば摩擦は避けられない。積もり積もった遠慮と我慢が二幕目で爆発する。家族間のわだかまりと互いへの気遣い、あまりかっこよくない不器用な生き様のなかで一所懸命生きようとする微笑ましさ、そして戦争の影への不安を抱えながらもよりそい、真っ当に生きようとする家庭の風景を、ユジーンの思春期の視点を通してコミカルに描いた秀作だった。登場人物の振る舞いに嘘がない。それぞれがエゴイストであると同時に、互いのことを気にかけてもいる。だからこそフラストレーションが溜まる。兄弟・姉妹間の対立やライバル意識も、微妙な細部が丁寧に描かれている。家族はバラバラになりそうになりながら、諦めでも惰性でもなく、ある種の明るさと信頼のなかで、なんとか平和を保ちながら持ちこたえようとする。
兄弟（ユジーンとスタンリー）、姉妹（ノーラとロリー）の二組が暮らす子ども部屋が二階にあるという設定だが、赤門塾の舞台では二階建てのセットを作ることができない。苦肉の策として舞台の下手側を二階のスペースとし、上手側のリビングと対比させていた。階段を上り下りする場面では、俳優がそのたびに足踏みを数回繰り返すギミックがおかしかった。子ども部屋の小型の二段ベッド、リビングの壁紙、長テーブルといった美術が、リアリズムを超えた軽やかでユーモラスな劇空間をつくり出していた。横長の食卓に一列に並んで客席のほうを向き、家族が食事しながら会話するという配置も面白い。映画『家族ゲーム』のあの場面を想起させるが、こちらは明るく、コミカルだ。
台詞はリアリズムなので俳優の技量の差が出やすい芝居だったが、語り役のユジーンの台詞回しがリズミカルで、芝居全体がテンポよく展開し、退屈することはまったくなかった。キャスティングも秀逸だった。かしましい家の女主人ケートは、社会人の男性俳優が女装して演じており、そのおばさんっぽさがとてもさまになっていた。夫のジャックは長髪・ひげ面で堅気の人間らしくない風貌だが、この家族の風景のなかでその風貌がぴたりとはまっていた。ユジーンを演じたのは役柄とほぼ同年代の高校生だったが、明瞭で達者な台詞回しで動きも面白い。ブランチはカザフスタン人の女性が演じており、その風貌の異質感がアクセントになっていた。活発で自己主張の強いノーラは社会人が演じ、病弱でおとなしくクールな妹ロリーはなんと小学6年生の女の子が演じたが、この二人の個性の対比が鮮やかで、劇の優れたアクセントになっていた。リアリズムの台詞と様式的な美術・演技、そして語りの枠構造がきっちりと組み合わさり、戯曲の面白さを明瞭に伝える舞台だった。
フルサイズの二時間超えの公演が終わるとさすがにお尻が痛くなり、体を伸ばしたくなる。赤門塾演劇祭の観劇環境は、デブの初老男にはけっこう堪える。15分ほどの休憩ののち、中学生が主体の山本太郎作『八十八ばなし』（小五・中一・中二・中三）が上演された。上演時間は30分ほど。この芝居は2023年にも上演されており、私はそのときも見ている。民話風の不条理劇で、主要登場人物の名前がすべて「八十八」だ。ばくち八十八、分別八十八、外道八十八、百姓八十八、盗人八十八と呼ばれる彼らは、みなろくでなしである。人間のさまざまなろくでなし類型を抽出した寓意道徳劇ともいえる。2023年に見たときも大いに気に入ったが、今回も非常に楽しめた。
中学生の芝居は棒立ち棒読みが多いが、今回の上演では主人公格の分別八十八を演じた俳優だけが、役作りに基づく達者な演技を見せた。棒読みの他の八十八たちのなかで異彩を放つ分別八十八という対比が、コミカルな効果を生み出しており、演出がこれを意識的に狙ったものであることは明らかだ。また三人の神様役、ザシキボッコ・ヒナタボッコ・ハナタレ小僧役の三人がキャラ立ちしていて可愛らしくおかしかった。俳優たちの衣装や思い切った舞台化粧も印象的で、仮装・コスプレも含め、中学生たちが芝居を楽しんでいるのが伝わってきた。
二時間超えの長い芝居を床に座って見たあとの締めが30分ほどの短編不条理民話劇というのは、構成としてもよかった。今年も楽しい演劇体験だった。赤門塾演劇祭を見ると、演劇の楽しみと喜びの原点を確認できるような気がする。
